Célèbre photographe de la fin des années 60, Jerry Schatzberg s'est ensuite imposé comme un pilier du cinéma des années 70, notamment avec L'épouvantail, son oeuvre la plus réputée, et Panique à Needle Park, son deuxième film.
Jerry Schatzberg parvient magistralement à rendre passionnant un récit qui manquait d'originalité sur le papier. Son approche quasi-documentaire, son style vif et tendu, font ici merveille. Schatzberg dresse des portraits de personnes en marge de la société, nous raconte leur quotidien, et suit leur descente aux enfers dans le quartier de Needle Park, lieu de concentration des arrivages de drogue, une sorte de "Harlem pour blancs". Plus largement que la drogue, le cinéaste s'intéresse tout d'abord à des hommes et des femmes en perdition, au moyen de gros plan particulièrement sensible qui donne toute cette humanité aux personnages, et avec ces longs plans éloignés qui rendent toute cette vérité aux situations. Panique à Needle Park, c'est l'histoire d'une femme timide et sensible qui découvre une autre facette de la vie avec un homme insouciant et ambitieux qui se met en tête de la séduire, c'est le récit de la naissance d'un amour confronté à la drogue, et de comment cet amour tente de survivre dans un tel milieu d'auto-destruction. Le superbe plan-séquence final, sans paroles, voit les deux amoureux, perdus, se retrouver malgré la trahison, malgré l'addiction: la vie continue, leur amour aussi. Le film se conclut là-dessus, il n'y a rien à ajouter: le cinéaste va à l'essentiel. Schatzberg se démarque également comme un formidable directeurs d'acteurs: Al Pacino, pour la première fois à l'écran, trouve l'un des meilleurs rôles de sa carrière, et l'inconnu Kitty Winn fait office de révélation tant elle éblouit le film de sa sensibilité, de son innocence qui peu à peu se consume. Elle a d'ailleurs très justement été récompensé d'un prix d'interprétation à Cannes, mais on ne l'a plus revu après. Cinéma, monde cruel...

 La démarche ultra-réaliste de Jerry Schatzberg, fondée sur une mise en scène à la lisière du documentaire et une direction d'acteurs exceptionnels, fait de Panique à Needle Park un film important des années 70, et l'un des plus grands films traitant de la drogue.

8/10

Admirablement accueilli par le festival de Cannes et la presse française, Tournée prouve le talent polyvalent de Mathieu Amalric, aussi à l'aise derrière que devant la caméra.
Filmé sobrement et avec maîtrise, ce long-métrage étonne surtout par la générosité de son propos, et le regard plein de tendresse qu'Amalric porte sur ses personnages: les personnages principaux sont touchants d'humanité, dont le producteur de la tournée au passé douloureux volontairement flou. L'acteur d'Un conte de Noël se révèle impeccable dans le rôle-titre, accompagné d'une troupe d'actrices stupéfiantes de vie, et aux physiques pour le moins inhabituels. Le récit nous plonge dans le monde du strip-tease "New Burlesque", et nous fait découvrir ses caractéristiques fantaisistes. Au-delà de ça, Tournée est un film sur la naissance de l'amour entre deux êtres paumés, une ode à la vie et au plaisir qu'elle nous réserve, tout autant qu'un récit mélancolique sur les blessures qu'elle nous inflige.

Mathieu Amalric concocte une oeuvre touchante, humaine, d'une sensibilité et d'une générosité exacerbées. La récompense obtenue à Cannes et les éloges des critiques sont peut-être excessives, néanmoins, il s'agit là d'un beau film.

7/10

Cinéaste aux récits très éclectiques (chacun de ces films aborde un genre différent), Paul Thomas Anderson se distingue par une mise en scène très classe qui est devenu sa marque de fabrique.
Passée une introduction étrange, Punch-Drunk love gagne en lisibilité, même si son atmosphère reste originale et décalée. La mise en scène d'Anderson aligne les plans-séquences et autres effets de caméra qui s'appuient sur une photographie minutieusement étudiée pour créer ainsi de superbes plans de cinéma: rarement une comédie n'aura été mise en scène de façon aussi précise, aussi classe. Alors, certes, ce parti pris visuel a tendance à frustrer, notamment lors de certaines séquences soutenues par une BO expérimental assez horrible. Mais l'énergie des acteurs (Adam Sandler en tête) et le comique décalé des dialogues et des situations font de Punch-Drunk love un film de qualité. Le scénario, plutôt abstrait de prime abord, prend ensuite la tournure très classique de la comédie romantique. En dehors des quelques facilités de ce scénario légèrement paresseux, les thématiques qu'il véhicule sont abordées avec justesse: la fadeur du quotidien, l'oppression familiale, l'amour comme élément libérateur, la solitude.

Paul Thomas Anderson surprend avec Punch-Drunk love, une oeuvre au potentiel comique fort et à l'atmosphère décalée, malgré quelques sautes de rythme volontaires et particulièrement dommageables.

7/10

Ce qui débute comme une comédie sentimentale acide se révèle être une oeuvre beaucoup plus dérangeante et sombre. C'est Happiness, de Todd Solondz, l'un des fers de lance du cinéma indépendant américain.
La mise en scène reste très classique, et le rythme pâtit légèrement d'une longueur trop étirée: nous allons donc davantage nous attarder sur la richesse et l'originalité d'un récit à la fois juste et d'un cynisme dévastateur. Attaque en règle de la société américaine, Happiness prend également une tournure beaucoup plus globale, en s'interrogeant sur l'homme. Le film de Todd Solondz est dérangeant en ce sens où il pose un regard ambiguë sur ce qu'il filme: ainsi, le comble du cynisme est de nous proposer une vision à la fois tendre et ironique sur chacun des personnages, qu'ils soient naïfs, hypocrites, solitaires, ou encore obsédés sexuels. Chacun à leur manière, pris en étau dans un quotidien fade et sans surprises, ils se lancent dans une quête du bonheur. En évoquant cette notion de bonheur, le film reste très ouvert, ne proposant jamais vraiment de réponses, évitant ainsi tout discours moralisateur. S'il réserve quelques moments particulièrement comiques, Happiness est sans conteste un film dénonciateur, à l'ironie acide et au cynisme parfois dérangeant, choquant, qui illustre un propos beaucoup plus noir qu'il n'y paraît.

Peinture du vide et de la solitude existentiels, de la misère sexuelle, Happiness s'interroge sur la part d'ambivalence qui sommeille en chacun de nous, et livre un portrait décadent d'une société américaine caractérisée par une régression des rapports humains. Un film intéressant, même si la forme n'est pas au niveau du fond.

7/10

A l'origine, Cashback est un court-métrage d'une dizaine de minutes, à mi-chemin entre la comédie et la poésie. Deux ans plus tard, son réalisateur, Sean Ellis, décide de réutiliser les plans de son petit film pour développer l'histoire et donner ainsi naissance à un long-métrage. Cashback, c'est en premier lieu une réflexion décalée sur le temps. A travers une idée de scénario plutôt bien trouvé, Sean Ellis livre une vision à la fois légère et sensible sur la vie dictée par les heures qui s'écoulent, sur le désir, sur l'art, sur l'amour, et sur les rêves de chacun. Et même s'il cède parfois à un sentimentalisme un peu mièvre et à un comique légèrement régressif, l'ensemble reste enthousiasmant. Outre une histoire particulièrement originale, c'est la mise en scène qu'il convient de saluer ici. En effet, Sean Ellis, vraiment inspiré, crée avec tout un jeu de mouvements de caméra et de lumière, une ambiance totalement nouvelle, incroyablement immersive, et qui illustre à merveille aussi bien le potentiel comique et émotionnel de son scénario que les thématiques abordées. On se surprend à rester émerveillé devant certains plans de caméra: la transition entre le lieu de l'appel téléphonique et la chambre du personnage, le ralenti dans l'escalier ou encore la transition entre une file d'attente d'enfants dans la rue et le retour à l'intérieur du magasin, et bien-sûr, la séquence où le personnage arrête le temps et peint les corps nus des clientes du supermarché.

Cashback est un moment de cinéma totalement plaisant, qui parvient à susciter aussi bien le rire (lors de séquences à l'humour régressif mais qu'importe) que l'émotion (avec quelques scènes à l'atmosphère très paisible, planante), et ce malgré quelques maladresses.

7/10