Shaun of the dead est une comédie typiquement british doublée d'un hommage décalé aux films de zombie du maître du genre: Georges A. Romero.
Shaun of the dead se perçoit comme une farce à l'humour potache et régressif qui se base sur l'ingéniosité de sa mise en scène et le talent comique hors pair de son interprète principal, Simon Pegg. Malheureusement, cet hommage parodique aux films de zombie s'essouffle quelque peu après une première demi-heure absolument géniale. De plus, le scénario, basique, se révèle très hésitant, ne parvenant pas à choisir entre la gentille farce comique un peu clichée et le délire totalement décomplexé. Ainsi, le spectateur se surprend parfois à être désintéressé par ce qui se passe à l'écran, le comble pour une comédie... Et c'est d'autant plus dommage qu'Edgar Wright est particulièrement inspiré derrière la caméra, alignant plans-séquences ou plans énergiques dans un même soucis de créer un humour décalé, et il y parvient... mais seulement dans la première demi-heure. A remarquer tout de même que la fin du film reprend la même veine du début du film, à savoir un humour jouissif et sans complexe.

De Shaun of the dead, on retiendra certaines séquences ébouriffantes, et dix dernières minutes totalement originales et imprévisibles qui réhaussent le niveau d'un film bancal.

6/10

Métropolis est considéré par beaucoup de cinéphiles comme un monument du Septième Art doublé du plus grand film de science-fiction jamais réalisé. Devant tant d'éloges unanimes, on ne pouvait qu'attendre impatiemment la vision de Métropolis... et pourtant, le résultat est franchement décevant.
La seule et véritable raison qui suscite un tel engouement autour du film est son scénario, suffisamment dense et novateur pour véhiculer des thèmes forts et visionnaires pour l'époque. Métropolis est une critique avant-gardiste des totalitarismes, de la déshumanisation, de l'essor industriel et de l'exploitation des faibles par les puissants, en décrivant magistralement le fossé séparant les pauvres des riches. Néanmoins, Fritz Lang illumine son film d'optimisme en imposant la puissance dévastatrice de l'amour comme alternative obligatoire à la cruauté du monde. La mise en scène souffre d'un problème majeur de rythme (on s'ennuie à de maintes reprises...), et ne parvient pas à intéresser sur toute la durée, malgré des décors somptueux pour l'époque et une photographie soignée. De plus, l'interprétation trop théâtrale et excessive des acteurs annihile toute émotion, seul Alfred Abel tirant son épingle du jeu par une interprétation plus sobre. Métropolis est tout de même parcouru de séquences mémorables: la marche lente et déshumanisé des ouvriers se rendant à la cité souterraine, la destruction de la cité souterraine avec une panique générale où les personnages principaux tentent de sauver des enfants, sont des moments particulièrement intenses.

Au final, Métropolis est un film à retenir essentiellement pour le caractère visionnaire de son scénario, car il ne passionne pas totalement sur la durée et peine à résister formellement à chaque année qui passe.

5/10

L'Enfance d'Ivan s'affirme dès les premières minutes comme une proposition esthétique forte et inspirée, qui laisse à penser qu'un grand cinéaste est entrain de naître. C'est incontestablement un film à voir, même si le fond comme la forme sont plutôt inégaux.
Le scénario ne prend aucun recul, d'où une certaine tendance au manichéisme: les allemands ne sont quasiment jamais montrés, mais sont tout le temps présentés comme des bourreaux inhumains, tandis que les russes, dont nous suivons le parcours et l'intimité, sont instantanément montrés comme des victimes, des opprimés qui luttent pour leur survie, et attisent obligatoirement une compassion du spectateur. Néanmoins, le film ayant pour thème principal l'enfance face à la guerre, le propos réussi tout de même à présenter la guerre comme effroyable dans toute sa globalité. L'enfance contaminée par la folie humaine traverse ce film comme une obsession. En superposant l'insouciance des rêves et l'horreur de la réalité, le premier long-métrage de Tarkovski met sans cesse en parallèle l'innocence, la naïveté et le bonheur de l'enfance appartenant à un passé révolu du personnage avec l'horreur de la situation présente, où son caractère déterminé et sa soif de vengeance ont déjà fait de lui un homme. A partir de là, c'est le point de non-retour: l'issue ne peut être que fataliste. Bénéficiant d'une photographie noir et blanc de toute beauté et d'un travail de lumière absolument somptueux, L'Enfance d'Ivan fascine également par la force atypique de sa mise en scène: Tarkovski s'impose, par moments, comme un véritable créateur d'images, avec un sens de l'espace et du cadrage exceptionnel, qui prend tout son sens durant les premières minutes ou encore lors de la séquence finale, et offre de véritables passages étranges et oniriques. Il est également essentiel de souligner le superbe travail effectué sur le son, qui se pose ainsi en véritable créateur d'ambiance (les sifflements d'oiseaux, les cris sont très subtilement évocateurs de l'état d'esprit de la scène). Mais, premier long-métrage oblige, le cinéaste russe fait également preuve de maladresses, avec une mauvaise gestion du rythme qui peut susciter l'ennui à de nombreuses reprises, ainsi qu'un manque d'inspiration sur toute la durée (la force de sa réalisation n'agit que par instants). Emblématique du savoir-faire formelle russe, L'Enfance d'Ivan, récompensé à de nombreuses reprises pour la qualité de sa mise en scène, a influencé bon nombre de cinéastes de son pays (et sûrement au niveau international), l'exemple le plus flagrant restant Elem Klimov et son Requiem pour un massacre, qui, par la force brute et le réalisme sans concession de sa réalisation, supplante largement le coup d'essai de Tarkovski.

Première incursion de Tarkovski dans le long-métrage, L'Enfance d'Ivan est une oeuvre intéressante, un hymne à l'enfance sacrifiée par l'absurdité de la guerre, mais cloisonnée entre un travail formel recherché à l'extrême mais parfois maladroit, et un contenu puissant mais limité par une tendance au manichéisme. En conclusion, un film inégal, mais au potentiel certain.

6/10

Comme la plupart des films d'Eastwood, le scénario est simple. Mais Le Maître de guerre reste un cru eastwoodien étrange dans sa façon d'aligner séquences jubilatoires et histoire prévisible, rythme plaisant et scénario accumulant clichés et facilités.
Le constat s'impose de lui-même très rapidement: Le Maître de guerre n'est jamais meilleur que lors des séquences d'entraînements, et jamais aussi lourd que lors des scènes intimistes. De plus, la dernière demi-heure est totalement dispensable car sans intérêt. Un film bourrin, très peu porté sur la subtilité en quelque sorte. Le cinéaste n'oublie cependant pas de véhiculer ses thèmes fétiches, tels que la virilité, le courage, les relations entre générations, la transmission des savoirs ou encore l'amour. Le scénario se repose sur une intrigue très simple et malheureusement totalement prévisible, des personnages caricaturés à outrance, mais c'est sur la force de ses dialogues qu'il remporte l'adhésion. En effet, durant les scènes de tensions verbales, le film accumule pour notre plus grand plaisir et avec une facilité déconcertante des répliques anthologiques, aussi cinglantes que cocasses. Malgré un doublage un peu raté (en particulier la voix horrible donné à Clint), les acteurs se révèlent attachants: Eastwood en vieux bougon viril, ou encore Mario Van Peebles en rockstar de pacotille. La mise en scène reste très posée: le réalisateur de Sur la Route de Madison joue, comme d'habitude, la carte du classicisme et de la sobriété.

Au final, Le maître de guerre est un film en demi-teintes: inutilement étiré en longueurs, parfois lourd et caricatural, tout le temps prévisible, le film ne convainc vraiment que lors de jubilatoires joutes verbales qui constituent la seule et véritable raison de vivre de ce long-métrage.

6/10